Teoría y función del Arte

1.- TEORÍA Y FUNCIÓN DEL ARTE
     1.1.-Generalidades
     1.2.- Concepto de arte y su evolución
     1.3.- Teorías del arte. Historiografía del arte. Crítica del arte.
          A.- Introducción
          B.- Teorías del arte
          C.- Historiografía del arte
          D.- Crítica de arte.
     1.4.- Función del arte
2.- ANÁLISIS E INTERPRETACIÓN DE LA OBRA DE ARTE
     2.1.- Arquitectura
     2.2.- Escultura
     2.3.- Pintura
3.- RESUMEN

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1.- TEORÍA Y FUNCIÓN DEL ARTE
     1.1.- Generalidades
La RAE define "arte" como la virtud, disposición y habilidad para hacer algo, es la manifestación de la actividad humana mediante la que se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
Cuando se usa en plural, la palabra adopta connotaciones estéticas; así se define como Bellas Artes, las que tienen por objeto expresar la belleza, especialmente la pintura, escultura, arquitectura y música.
Dado que es un concepto impreciso aquí intentaré delimitar el objeto de su disciplina.


     1.2.- Concepto de arte y su evolucion
El conjunto de objetos y prácticas culturales a los que se llama Arte es tan extenso y variado como las diferentes épocas que abarca, influyendo las distintas realidades sociales en las que ha tenido origen.
La noción de "arte" es un concepto occidental. En la Gracia del VI ac. se empieza a usar el término "techne" para referirse a los oficios que necesitaban algún tipo de habilidad. Ese concepto es adoptado por los romanos y denominado "ars", este comprende no solo la artesanía sino la medicina y otras actividades que tuvieran como denominador común la imitación o representación de la naturaleza.

La capacidad de representación toma en la Grecia clásica una marcada orientación idealista. El artista tiene la capacidad para seleccionar del mundo real las imágenes que más se aproximen a su arquetipo o ideal de belleza. Esta concepción idealista de belleza se mantendrá hasta la Edad Media.
En el Renacimiento se recupera la idea clásica sobre el arte, volviendo los artistas a tener reconocimiento social; la figura del mecenazgo será fundamental en el desarrollo de su actividad. En el Renacimiento se unen los conceptos arte-belleza-poder.
La idea renacentista se mantiene hasta el Romanticismo. En el XIX el arte se convierte en un proceso que comprende tanto la realización de la obra como su recepción por el espectador, que la interpreta de forma libre, abierta, entrando en el terreno de lo subjetivo. El arte contemporáneo no está vinculado a un concepto idealizado de belleza; es el momento de la "deshumanización del arte". Si el concepto era ambiguo hasta nuestros días, es el momento actual cuando alcanza una imprecisión total.

En referencia a las disciplinas artísticas, en la antigüedad clásica el concepto comprende pintura, escultura, poesía música y danza. En la Edad Media, la arquitectura y las artes plásticas en general son meros oficios artesanales frente a las  "artes liberales" enseñadas en las  Universidades, que comprenden el "trivium" gramática, retórica y dialéctica; y "quadrivium" aritmética, geometría, astronomía y música.
En el XVIII se generaliza el término Bellas Artes para referirse a la pintura, escultura y arquitectura.
Desde fines del XIX, con el nacimiento de la fotografía y el cine se prefiere denominar "Artes Aplicadas" a la arquitectura, escultura y pintura. 


     1.3.- Teorías del arte. Historiografía del arte. Crítica del arte.
          A.- Introducción
La historiografía realiza el estudio bibliográfico y crítico de los escritos sobre historia y sus fuentes y de los autores que han tratado de estas materias. La frontera entre historiografía del arte y teorías del arte es muy difusa, pues la estética forma parte de la historia.

          B.- Teorías del arte
La historia del pensamiento estético occidental se inicia con Platón, para él todas las cosas creadas por el hombre son imitaciones de sus formas arquetípicas eternas e ideales, lo que conduce a Platón a no reconocer ningún papel a las artes, a pesar de de reconocer a las imágenes artísticas capacidad para incorporar en distintos grados la cualidad de la belleza.
En la Edad Media hay que destacar la aportación de San Agustín y Santo Tomás de Aquino en la historia del pensamiento estético. San Agustín se centra en el pensamiento estético platónico, idealista. Por el contrario Santo Tomás de Aquino profundiza en la estética Aaristotélica, define lo bello como aquello que agrada a la vista.

En el Renacimiento será importante la influencia de Platón y seguirán profundizando en la idea de la belleza como imitación de la naturaleza.
con Locke y Hume se introducen nuevos factores como la imaginación y el gusto, para plantear la relación de la obra de arte con el espectador.

Con el Romanticismo, la exaltación del individualismo y la subjetividad dará lugar a un incremento de la reflexión estética. Kant sienta los fundamentos de la estética moderna, introduciendo nuevos factores en la teoría del arte, como lo pintoresco y lo sublime. Hegel determina el rasgo distintivo del arte en la encarnación de las ideas en formas sensibles; distingue 3 manifestaciones: arte simbólico para la arquitectura; arte clásico para la escultura y arte romántico para la pintura.
En el XIX y XX se multiplican las teorías y las corrientes que nos llevan al pensamiento contemporáneo.


          C.- Historiografía del arte
Con Giorgio Vasari se inicia una tendencia historiográfica que identifica la historia del arte con la historia de los artistas, en 1550 publica "Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos desde Cimabue a la actualidad"; esta corriente será seguida durante el XVII y el XVIII.
En 1764 Wincklemann escribe "Historia de la Antigüedad", según el autor era indispensable encuadrar geográfica y culturalmente el entorno donde se produce la obra. Wincklemann da un nuevo enfoque al estudio, entendiendo la cultura como un proceso de perfeccionamiento histórico, con fases de progreso y decadencia, que conducen a un progreso. Wincklemann tiene una concepción idealista del arte, de raíz neoplatónica.
Heinrich Wölfflin en su obra de 1915 "Principios de historia del Arte" sienta las bases para la creación de unos conceptos fundamentales con los que abordar una historia del arte. Establece un sistema basado en la identificación de contrastes entre objetos analizados por pares, partiendo de 5 parejas de "categorías formales" explica los contenidos y transformaciones del arte del Renacimiento al Barroco.

En el XX la historiografía del arte se desarrolla en 2 vertientes: la iconología y la sociología del arte.
Para Panofsky en la interpretación de una obra de arte se deben tener en cuenta 3 factores de contenido: el primario o natural, basado en la descripción de elementos formales; el segundo o convencional, que determina el análisis iconográfico; el terciario o intrínseco, el que requiere un análisis más profundo que permite explicar el contenido.

La sociología del arte se preocupa por explicar las obras de arte en función del hecho social en el que se insertan.

La última metodología del arte contemporáneo es la semiótica, fundamentada en las ideas de Saussure, analizando el fenómeno artístico desde una perspectiva lingüística. La semiótica parte de un sistema de símbolos que configuran un lenguaje para la comunicación artística 


          D.- Crítica de arte.
La palabra crítica procede del griego "crino", juzgar, la actividad propia de la crítica del arte es emitir un juicio sobre el arte, que es subjetivo y relativo; mientras la crítica es subjetiva y parcial, la Historia debe ser objetiva e imparcial.
La disciplina critica del arte podría tener su origen a mediados del XVIII en la carta que Denis Diderot dirige a Friedric Melchor Grimm, valorando las obras expuestas en el Salón  de París 1759.
A lo largo de la Historia numerosos escritores ha hecho crítica de Arte, segun Baudelaire lo esencial es el temperamento artístico; señalaba que la mejor crítica es la divertida y poética, no la otra fría y matemática. 

     1.4.- Función del arte
 Gerard Vilar dice en su obra "Las razones del Arte" que estas son las sinrazones del mundo tales como el daño, terror, dolor, violencia y muerte, pero también los misterios como la belleza, el amor, el destino y la felicidad.
Según Jaques Thuillier, "el arte comienza allí donde algo se expresa para el otro".
El objeto artístico nace como una función o funciones determinadas, funciones que se irán transformando en muchos casos a lo largo del tiempo, incluso desapareciendo la función de origen. Un castillo medieval nace como elemento defensivo, con el tiempo desaparecerá su función.
La función propia de la arquitectura es crear un espacio cuyo uso podrá ser individual o colectivo, privado, público, religioso, militar, etc. Es la esencia de la arquitectura la que determina su función, cosa que no ocurre en escultura y pintura. La esencia de escultura y pintura la determina su forma más que su función.


2.- ANÁLISIS E INTERPRETACIÓN DE LA OBRA DE ARTE
     2.1.- Arquitectura
La arquitectura se encarga de crear espacios, un espacio interior o delimitado por unos muros. La creación de ese espacio se ajusta a un programa previamente establecido y perfectamente definido.
Desde la Grecia antigua, la arquitectura se vincula a las artes, se ve obligada por una serie de requisitos funcionales y tecnológicos.
En función del destino que se le vaya a dar al espacio, la arquitectura puede ser civil, religiosa, funeraria, industrial y los materiales constructivos son variados; piedra, adobe o madera.
Por su sistema constructivo podemos distinguir entre arquitectura arquitrabada, que usa elementos verticales y cierres horizontales (templo griego) y abovedadas que resuelve la relación soporte y cubierta mediante el arco y la bóveda. También hay obras de fábrica, basada en muros de carga y pocos vanos; arquitectura entramada, esqueleto de madera, metal y hormigón cerrado por muros y cubiertas. 

Las proyecciones son los procedimientos geométricos usados para representar un cuerpo tridimensional en plano. Gaspard Monge en "Geometría Descriptiva", sienta las bases en 1799.
Las proyecciones más simples, ortogonales, pertenecen a tres representaciones por excelencia, la planta, escala del corte horizontal de un objeto, representa la distribución de espacios, muros y soportes; alzado, cada una de las fachadas exteriores y perfil o sección; proyección de un corte longitudinal a partir de un eje definido por dos puntos dados.

Los soportes los distinguimos entre columna, pilar y pilastra; la columna es de construcción arquitrabada, mientras que el pilar es de construcción abovedada. Cuando el pilar está adosado al muro se le denomina pilastra.
El arco es un elemento generalmente curvo, que cubre un vano o hueco existente entre dos puntos, se compone de una serie de piezas en forma de cuña, dispuestas radialmente llamadas dovelas, la central se denomina clave del arco, las del arranque son los salmeres. Hay muchos tipos de arco, medio punto herradura, carpanel, según el trazado. Según estructura los hay de descarga, sobre dintel para reducir el peso del muro que incide sobre el, arcos fajones o periaños, dispuestos al eje de la nave de una iglesia, ciñendo su bóveda y arcos torales, los que forman el crucero en las iglesias.
Arbotantes y arquivoltas son derivaciones funcionales del arco.

Los elementos que sierran la construcción se denominan cubiertas. Armaduras, bóvedas, cúpulas y cubiertas planas son los tipos fundamentales.
La armadura está construida por un armazón de madera que al exterior se suele revestir de tejas. Las bóvedas son cubiertas de sección curva que cierran una crujía, un espacio comprendido entre dos muros de carga. El arco de medio punto engendra una bóveda de cañón, el arco apuntando produce una bóveda de cañón apuntado, si es adintelado es bóveda plana. El cruce en ángulo recto de dos bóvedas de cañón produce una bóveda de arista o crucería (reforzada mediante nervios). Las bóvedas que cubren espacios de planta central son las esquifadas, las de paños y la baídas (semiesférica).

El análisis del objeto arquitectónico requiere un estudio de cubiertas, soportes arcos y demás elementos existentes en la historia de la arquitectura.

La primera civilización que va a desarrollar una arquitectura de consideración es la civilización egipcia. La arquitectura, fundamentalmente funeraria (pirámides) y religiosa (templos), refleja la preocupación por el mundo de ultratumba.

En Mesopotamia el elemento principal va a ser el palacio. En Asiria y Persia, el monarca es dominador del pueblo, no hijo de dioses como en Egipto, se le construye el palacio como reflejo de su poder.

La arquitectura griega  no responderá solo a criterios religiosos ni a los impuestos por la clase dominante, más bien a la expresión de un pueblo para el que la belleza posee un carácter matemático que se identifica con la proporción geométrica. El artista griego persigue el ideal de belleza basado en la proporción y en la medida y la arquitectura buscará los elementos constructivos y las formas decorativas que se ajusten a ese ideal; surge el ágora, plaza pública; acrópolis, recinto amurallado reservado a los templos y las divinidades.

La arquitectura romana tendrá un carácter eminentemente práctico. El carácter militar se pone de manifiesto en la organización de las urbes donde vemos los ejes principales cardo y decúmano.
En pleno apogeo del Imperio romano surge una nueva concepción del arte como respuesta y manifestación de una nueva ideología religiosa, el cristianismo. La arquitectura paleocristiana, aporta una novedad en cuanto al contenido espiritual. Los arquitectos paleocristianos desarrollarán la basílica cuyo origen es la basílica romana.

En Bizancio, la impronta romana unida al lujo dieron lugar a una arquitectura imperial religiosa. En el arte bizantino las formas y técnicas representativas respondían a una normativa fija en la que Dios y el emperador fueron elevados a un mismo rango en lo representativo.

La arquitectura románica responde al marcado carácter religioso de la sociedad. Monasterios y catedrales serán las construcciones fundamentales de la Edad Media. La arquitectura románica y gótica comparten el carácter religioso de sus obras. La actitud espiritual que refleja la arquitectura románica, con predominio de la masa sobre el vano, es distinta a la gótica.
Lo que mueve al arquitecto gótico en una catedral es el ansia de elevación y de luz, lo que lleva a prescindir del muro, que pierde su función esencial de soporte, sirviendo sólo como mero cerramiento y por tanto pudiendo ser sustituído por vidrieras.

El Renacimiento recupera el ideal de belleza clásico basado en la proporción. La arquitectura renacentista recupera el lenguaje clásico; hay un gran desarrollo de las ciudades y de la arquitectura civil.
La arquitectura barroca, rompe con la idea de orden y equilibrio de la arquitectura renacentista. Las fachadas ahora, insertas en el espacio urbano, se curvan y se mueven buscando efectos de claroscuro y tanto exteriores como interiores desarrollan en este momento grandes efectos escenográficos y sorprendentes; el barroco coincide con el absolutismo monárquico.

En el XVIII, la ilustración, conviven dos interpretaciones del clasicismo, la que continúa respondiendo a las exigencias de la autoridad y grandeza de la Monarquía y la "arquitectura de la razón" cuyo contenido simbólico encarna los ideales de la nueva sociedad ilustrada.

A partir del XIX la arquitectura debe dar respuesta a nuevos problemas como el aumento de la población, que requiere construcciones rápidas y económicas, nuevos espacios (estaciones y puentes); la producción industrial requiere grandes naves; los nuevos materiales como el hierro fundido, aparecido a finales del XVIII se convierten en protagonistas.
En los inicios del XX la sociedad industrial lleva al desarrollo de concentraciones urbanas en torno a los focos de producción; la arquitectura debe desarrollar un hábitat urbano con una función comunitaria; surgen los rascacielos; se tiende a la simplicidad, trabajando con volúmenes, los nuevos materiales con hormigón armado y cemento.
Según Geoffrey Scott, la arquitectura surge de la necesidad de delimitar un espacio que ha de tenerse en cuenta para aquellos que lo van a disfrutar. 

     2.2.- Escultura
 La palabra viene del latín "sculpere", el arte de modelar, tallar o esculpir en piedra, barro madera u otros materiales.
La escultura abarca dos técnicas, tallado y modelado, diametralmente opuestas, que dan como resultado una imagen tridimensional. El tallado es el proceso mediante el que el escultor mediante martillo y cincel esculpe sobre un bloque de piedra. no es habitual tallar la piedra diréctamente; ya desde el V se usa el sacado de puntos.

Las tallas en madera se han policromado, requiriendo una preparación de la madera consistente en la aplicación de una capa de yeso sobre la superficie tallada (enlucido).
Otro material es el metal. La mayor parte de las esculturas realizadas en metal han sido hechas mediante el procedimiento de la cera perdida; consistente en realizar un molde en cera con orificios de entrada y salida, vertiendo sobre dicho molde el metal fundido, derritiendo la cera para ocupar el metal su lugar. el más usado ha sido el cobre, que con estaño forma bronce, y con zinc latón.

El modelado es un proceso aditivo mediante el cual el artista, trabajando sobre materiales blandos, arcilla o cera, da forma a una imagen con los dedos.
El bulto redondo y el relieve son los dos tipos escultóricos básicos. Una escultura es de bulto redondo cuando está exenta, cuando no está adherida al marco arquitectónico. El relieve por el contrario, está adherido a un plano y según sobresalga lo denominamos alto, medio, bajorrelieve. 
La escultura en su evolución histórica ha tendido a representar el movimiento. Sólo e el XX las representaciones escultóricas han alcanzado el movimiento real, con los móviles o escultura cinética.

     2.3.- Pintura
Se define como la representación artística en dos dimensiones.
Las técnicas pictóricas son muy numerosas; el fresco consiste en aplicar pigmento sobre un muro previamente cubierto por una capa de yeso o argamasa (enfoscado) y una segunda capa de cal (enlucido), cuando el muro está todavía húmedo, de ahí su nombre.
Otra técnica es el encausto, que consiste en diluir los pigmentos sobre cera fundida, pintándose en caliente. esta técnica fue muy utilizada en el mundo grecorromano. La pintura al temple se realiza sobre superficies que no son de cal, requiriendo dichas superficies una preparación. Los pigmentos en la pintura al temple se mezclan con pinturas oleaginosas, como yema de huevo, leche u otras, que sirven de aglutinantes y adherentes.
La pintura al oleo es más versátil, ampliándose con esta técnica la sutileza e intensidad de los colores, facilitando la aplicación de veladuras. La pintura al óleo utiliza como aglutinante diversos tipos de aceite y es una técnica conocida desde la edad media.
La pintura al pastel se realiza mediante el uso de barritas de color formadas por la mezcla del pigmento en polvo con alguna resina, sin aglutinantes, por lo que su adhesión al soporte es muy débil, debiendo protegerse las obras con algún fijador.
La acuarela, la aguada y el guoache son otras técnicas pictóricas en las que el pigmento se mezcla con un aglutinante soluble al agua.

En cuanto a los soportes, hay una gran variedad de materiales; en la pintura de caballete destacan la madera y la tela. La madera se usa desde el 2000 ac. como los egipcios en los sarcófagos. La tela de lienzo puede ser de algodón, lino o cáñamo.

El artista mediante ilusiones ópticas ha conseguido crear apariencias volumétricas y esto gracias al modelado y al escorzo. El modelado es la gradación de luz y sombra (claroscuro de Caravaggio y sfumatto de Leonardo); el escorzo es un recurso plástico que consiste en presentar los objetos en posición perpendicular u oblicua al plano, acentuando la idea de profundidad y consiguiendo la idea de volumen en el objeto.
La relación de la pintura con el espacio es ilusoria. En pintura la representación del espacio se consigue mediante la perspectiva que permite proyectar ficticiamente sobre la superficie plana del cuadro un espacio figurado. La perspectiva lineal nace en el Renacimiento, el Florencia durante el Quattocento y es un sistema basado en la intersección de la pirámide visual. El vértice de la pirámide constituye el punto de fuga, el eje de la pirámide  une el ojo que percibe la realidad (punto de vista) con el punto de fuga y la base de la pirámide es la resultante de un corte por medio de un plano perpendicular al eje (plano de representación que es la superficie del cuadro). Partiendo de la perspectiva lineal, se desarrolla a aérea; esta parte que el aire condiciona la visión de los objetos, en cuanto a la luz, color y distancia. Velazques y Rembrandt serán los grandes maestros de la perspectiva aérea.
En el XX Picasso con "Las señoritas de Avignon" rompe con esta concepción ilusoria del espacio visual que había estado vigente desde el Renacimiento.
Todos los elementos plásticos que constituyen la obra pictórica conforman la composición y es a través de la composición donde se revela la personalidad del artista. Cuando hablamos de composición hablamos de la estructura de la obra pictórica, lo que va más allá de la mera distribución de los diferentes personajes o figuras en la superficie pictórica. 

3.- RESUMEN
El término Arte, se presta a confusión y ambigüedad; se hace difuso cuando se trata de definir las disciplinas artísticas.
En la evolución del concepto hasta el Romanticismo hay una concepción idealista, identificado arte con belleza.

La historiografía se encarga del estudio bibliográfico y crítico de los escritos sobre historia y sus fuentes y de los autores que han tratado esas materias.
La historia del pensamiento estético occidental se inicia con Platón; para este, todas las cosas creadas por el hombre son imitaciones de formas arquetípicas eternas e ideales. La estética de Aristóteles reconoce la capacidad imitativa de las imágenes artísticas, pero frente a Platón admite en esa imitación una fuente de conocimiento.
El pensamiento estético de San Agustín representa la culminación del pensamiento estético de la antigüedad, especialmente del platonismo. Santo Tomás de Aquino profundiza en la estética aristotélica.
En el Renacimiento se sigue la estética platónica y neoplatónica.
Kant sienta los fundamentos de la estética moderna, introduciendo nuevos factores en la teoría del arte, como lo pintoresco y lo sublime. Hegel determina que el rasgo distintivo del arte es la encarnación de las ideas en formas sensibles.

La primera historia del arte, se debe al arquitecto italiano Vasari en la que identifica la historia del arte con la de los artistas.
En 1764 Wincklemann escribe "Historia del arte en la Antigüedad", obra considerada realmente como primera Historia del Arte con conciencia histórica. Wincklemann tiene una concepción idealista del arte, de raíz neoplatónica; esta concepción será desarrollada por Jacob Burckhardt en "La cultura del renacimiento en Italia". En el XX la Historiografía de arte se desarrolla fundamentalmente en dos vertientes: la iconología y la sociología del arte. La última metodología del arte contemporáneo es la semiótica que analiza el fenómeno artístico desde una perspectiva lingüística.
La actividad propia de la crítica del arte es emitir un juicio sobre este, por tanto es subjetivo y relativo.
El arte ha cumplido y cumplirá múltiples funciones: ritual, mimética, religiosa, pedagógica, narrativa etc.

La arquitectura se encarga de crear espacios interiores y exteriores, ordenando el espacio urbano y dotándolo de funcionalidad.
La escultura ha estado al servicio de la arquitectura, abarca dos técnicas modelado y tallado.
La pintura es la representación artística en dos dimensiones, basada en la aplicación de pigmentos sobre superficie plana, su relación espacial es ilusoria. 


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